L’infinito

Sempre caro mi fu quest’ermo colle,
e questa siepe, che da tanta parte
dell’ultimo orizzonte il guardo esclude.
Ma sedendo e mirando, interminati
spazi di là da quella, e sovrumani
silenzi, e profondissima quiete
io nel pensier mi fingo; ove per poco
il cor non si spaura. E come il vento
odo stormir tra queste piante, io quello
infinito silenzio a questa voce
vo comparando: e mi sovvien l’eterno,
e le morte stagioni, e la presente
e viva, e il suon di lei. Così tra questa
immensità s’annega il pensier mio:
e il naufragar m’è dolce in questo mare.

Questo colle solitario (il monte Tabor a Recanati) mi è sempre stato caro, e così questa siepe, che impedisce allo sguardo di vedere gran parte dell’orizzonte più lontano.

Ma sedendomi e guardando fisso, io vado costruendo nella mia mente (mi fingo) spazi interminabili al di là di quella siepe, e silenzi che superano ogni possibilità umana, e una quiete profondissima; a tal punto che per poco il mio cuore non si smarrisce per lo spavento (non si spaura).

E non appena sento il vento frusciare (stormir) tra queste piante, io vado confrontando quel silenzio infinito a questa voce concreta (il rumore del vento): e a quel punto mi viene in mente l’eternità, e le epoche passate ormai svanite (le morte stagioni), e l’epoca presente, ancora viva, con il suo rumore.

Così, l’attività della mia mente (il pensier mio) si perde all’interno di questa immensità: e lo smarrirsi (il naufragar) in questo mare dell’infinito mi risulta dolce.

Giacomo Leopardi compone L’infinito intorno al 1819, durante il soggiorno a Recanati, quando è poco più che ventenne. È un periodo di profonda crisi interiore, isolamento e intensa transizione filosofica (il passaggio dalla poesia di immaginazione alla filosofia del vero).

La lirica nasce sul celebre Monte Tabor, il colle solitaria che il poeta frequentava abitualmente: un luogo fisico reale che si trasforma immediatamente in uno spazio mentale e simbolico. Quest’opera appartiene alla stagione dei cosiddetti “Idilli”, componimenti in cui Leopardi non dipinge una natura idilliaca e bucolica alla maniera antica, ma parte da un’esperienza concreta e quotidiana per trasformarla in una spietata e lucida meditazione sull’esistenza, sul tempo e sul desiderio dell’uomo.

Dopo una prima circolazione su rivista nel 1825, il testo viene pubblicato definitivamente nel volume dei Versi del 1826, per poi confluire nell’architettura definitiva dei Canti.

Analisi del Significato: Dal Limite all’Illusione

L’infinito racconta un’esperienza apparentemente minima: un uomo, solo su una collina, si trova davanti a una siepe che gli impedisce di guardare l’orizzonte. In realtà, questo ostacolo visivo diventa il motore di un sofisticato meccanismo psicologico e filosofico: il limite fisico attiva l’immaginazione.

Poiché l’occhio non può vedere, la mente è costretta a costruire ciò che sta oltre. Questo processo è strettamente legato alla Teoria del Piacere elaborata da Leopardi nello Zibaldone: l’essere umano desidera per natura un piacere infinito, ma scontrandosi con la realtà limitata della vita, scopre che l’unico modo per appagare questo bisogno è rifugiarsi nell’immaginazione e nel vago.

Il cortocircuito tra Finito e Infinito

Il cuore della poesia è diviso in due momenti speculari:

• L’infinito spaziale: Nel silenzio della collina, la mente del poeta modella spazi interminabili e silenzi sovrumani. Questa immersione nel vuoto assoluto non è però una meditazione rilassante: è un’esperienza che provoca una vertigine quasi insostenibile, tanto che “per poco il cor non si spaura”. È il brivido del Sublime, lo smarrimento dell’io di fronte al nulla cosmico.
• L’infinito temporale: Il cortocircuito avviene quando un suono improvviso e concreto — il vento che passa tra le fronde delle piante — risveglia il poeta dal suo viaggio mentale. Questo contrasto tra la “voce” della natura e il silenzio eterno fa scattare una seconda riflessione sul tempo. Il presente, vivo e rumoroso, viene paragonato alle epoche passate e ormai svanite (le “morte stagioni”).

Il significato profondo del “Naufragio”

La conclusione della lirica approda al celeberrimo verso: “e il naufragar m’è dolce in questo mare”. Il naufragio leopardiano non è una sconfitta e non è un’accettazione passiva del proprio limite. Al contrario, è il trionfo supremo dell’immaginazione: la mente umana, conscia della propria fragilità materiale, riesce comunque a squarciare il velo del reale e a perdersi nell’immensità da lei stessa creata. La “dolcezza” nasce dall’annullamento della coscienza e del dolore quotidiano all’interno di questo mare infinito dell’illusione.

Glossario dei Simboli e delle Parole Chiave

Ermo colle

Indica il Monte Tabor a Recanati. La parola “ermo” (dal greco éremos, solitario, deserto) non è una semplice scelta decorativa, ma definisce la condizione di isolamento assoluto necessaria affinché il poeta possa staccarsi dal mondo fenomenico ed entrare nella dimensione del pensiero puro.

La siepe

È l’elemento centrale dell’idillio. Rappresenta visivamente e concettualmente il limite. È l’ostacolo materiale che nega la vista della realtà, ma che paradossalmente permette la libertà dell’immaginazione. Senza la siepe, l’occhio vedrebbe un paesaggio finito; grazie alla siepe, la mente può concepire l’infinito.

Sovrumani silenzi / Profondissima quiete

Sono le coordinate dell’infinito spaziale creato da Leopardi. L’aggettivo “sovrumani” sottolinea come questa dimensione sia estranea e superiore a tutto ciò che appartiene all’esperienza biologica dell’uomo, evocando il senso di sgomento e di vuoto assoluto.

Morte stagioni / La presente e viva

Rappresentano la dimensione temporale dell’infinito. Le “morte stagioni” sono i secoli trascorsi, la storia passata che si è spenta nel silenzio dell’eternità; la “presente e viva” è l’attimo fuggente, il qui e ora caratterizzato dal suono del vento.

Naufragar

Metafora marina che indica la perdita totale di coscienza dell’io lirico. Non ha una valenza negativa (come un incidente nautico reale), ma descrive l’estasi intellettuale di chi accetta di far annegare il proprio pensiero individuale nell’immensità dell’eterno.

Per comprendere la vertigine de L’infinito, occorre calarsi nel drammatico contesto politico, culturale e personale in cui si trovava il ventunenne Giacomo Leopardi nel 1819.

L’Italia della Restaurazione e il disincanto

Siamo nell’Europa post-napoleonica, in un’Italia frammentata e sottomessa ai vecchi regimi assolutisti. Svanite le illusioni di libertà portate dalla Rivoluzione Francese, le giovani generazioni dell’epoca vivono un profondo senso di delusione storica e soffocamento politico. Leopardi incarna perfettamente questa tensione generazionale: un’anima assetata di assoluto e di azione costretta a muoversi nel grigiore di un’Italia provinciale.

Lo scontro tra Classici e Romantici

Dal punto di vista letterario, infuria la polemica tra classicisti e romantici. Leopardi assume una posizione del tutto originale e solitaria: difende i classici antichi, ma non per rigido accademismo. Ritiene che gli antichi greci e romani fossero più vicini alla natura e capaci di grandi illusioni, mentre la modernità e il razionalismo dei romantici hanno spento la fantasia. L’infinito nasce da questo incrocio unico: una forma metrica impeccabile e classica usata per esprimere un’angoscia esistenziale totalmente moderna.

La prigione di Recanati e la fuga fallita

Il vero innesco dell’idillio è però un dramma privato. Nel luglio del 1819, soffocato dall’ambiente familiare ultraconservatore e rigido, Giacomo tenta di fuggire da Recanati. Il piano viene scoperto dal padre Monaldo e il tentativo fallisce miseramente.

Questo trauma segna il crollo definitivo delle sue speranze di riscatto e lo fa sprofondare in uno stato di isolamento totale, aggravato da un problema agli occhi che gli impedisce persino di rifugiarsi nello studio. L’“ermo colle” e la “siepe” cessano di essere semplici elementi del paesaggio marchigiano: diventano i simboli fisici e opprimenti della sua prigione quotidiana. Non potendo più evadere nello spazio reale, il giovane Leopardi è costretto a compiere una rivoluzione interiore, usando l’immaginazione come unica via di fuga per compiere viaggi immensi con la mente.

L’architettura concettuale de L’infinito si regge su un meraviglioso paradosso geometrico e filosofico: il limite materiale è la condizione necessaria per accedere all’illimitato.

La dialettica del limite: la siepe come trampolino

La siepe non è semplicemente un ostacolo che blocca il poeta; è l’innesco stesso dell’immaginazione. Se lo sguardo potesse spaziare liberamente fino all’orizzonte reale, la mente si accontenterebbe di registrare un dato fisico e finito. Sbarrando la vista, la siepe costringe il pensiero a voltare le spalle alla realtà sensoriale e a edificare un infinito interiore.

Questo concetto si lega alla riflessione leopardiana sul “vago e indefinito”: l’uomo prova piacere solo davanti a ciò che non è nitido, recintato o misurabile, perché solo l’indeterminatezza permette all’immaginazione di espandersi senza toccare il fondo.

Il segreto stilistico: la danza di “Questo” e “Quello”

Dal punto di vista stilistico, Leopardi compie un capolavoro di ingegneria linguistica attraverso l’uso strategico degli aggettivi e pronomi dimostrativi (questo per ciò che è vicino nello spazio e nel tempo; quello per ciò che è lontano).

Il testo si sviluppa come un vero e proprio viaggio cinematografico della mente:

La struttura metrica: il flusso degli enjambement

La scelta metrica ricade su 15 endecasillabi sciolti (privi di rime fisse), fusi in un unico blocco testuale senza divisione in strofe. Il ritmo è tutt’altro che rigido: Leopardi utilizza ben 10 enjambement su 15 versi, spezzando continuamente il legame tra la fine del verso e la fine della frase (interminati / spazi, sovrumani / silenzi).

Questa frantumazione geometrica serve a riprodurre visivamente e acusticamente l’espansione del pensiero, che straripa oltre gli argini della metrica tradizionale, ricalcando l’andamento fluido, affannoso e poi liberatorio della mente che si perde nell’immensità.

Collegamenti Letterari e Intertestualità

Il confronto con i contemporanei: Foscolo e Manzoni

All’interno della produzione ottocentesca, L’infinito dialoga a distanza con due pilastri coevi:

• Con Ugo Foscolo (Alla sera): In entrambi i testi, un elemento naturale (la sera, il vento) attiva una meditazione sul tempo. Tuttavia, mentre Foscolo approda al “nulla eterno” come pace razionale e storica dalle sofferenze politiche, Leopardi cerca un’immensità vitale e gnoseologica (di conoscenza), un naufragio della coscienza che è puro piacere dell’immaginazione.
• Con Alessandro Manzoni (Il cinque maggio): Se in Manzoni la riflessione sul tempo e sul limite umano si risolve verticalmente nella fede e nell’eternità divina, in Leopardi l’infinito rimane rigorosamente laico, materialista e psicologico. Non è Dio a accogliere il poeta, ma il mare dell’illusione creato dalla sua stessa mente.

L’anticipazione della modernità: Baudelaire e Montale

La lirica proietta i suoi effetti nel Novecento, anticipando le strutture della poesia moderna:

Con Eugenio Montale (Ossi di seppia): Il parallelismo più profondo è quello tra la siepe leopardiana e il muro montaliano di Meriggiare pallido e assorto. Ma la funzione è opposta: per Leopardi il limite è un varco felice che apre all’immaginazione; per Montale il muro è una condanna esistenziale invalicabile, emblema del “male di vivere”, di cui il poeta cerca disperatamente (e spesso inutilmente) una crepa, un anello che non tiene.

Con Charles Baudelaire (I fiori del male): Si ritrova il medesimo bisogno di evadere dal finito e dalla noia del reale (Spleen) per esplorare gli abissi dell’ignoto e dell’infinito (L’Idéal), sebbene nel poeta francese questa ricerca sia tragicamente lacerata dalle nevrosi della metropoli moderna.

L’infinito non è solo la descrizione di un momento di isolamento, ma un vero e proprio manifesto filosofico che tocca i nodi cruciali dell’esistenza umana.

La dialettica del limite e il potere del “vuoto”

Il tema d’apertura è il limite, rappresentato fisicamente dalla siepe. Leopardi scardina l’idea che l’ostacolo sia solo una condanna o una privazione: la siepe diventa una possibilità conoscitiva. Impedendo la percezione reale, costringe l’uomo ad attivare la risorsa più potente che possiede: l’immaginazione.

Questo concetto riflette una dinamica psicologica universale e modernissima: la mente umana, davanti a una mancanza o a un confine, non si arrende, ma usa il vuoto come uno spazio bianco da riempire, sviluppando risorse interiori inaspettate per superare il dato reale.

Il tempo e l’eternità: l’uomo come “canna pensante”

Il secondo nucleo tematico è il cortocircuito tra il frammento di tempo vissuto dall’uomo e l’immensità dell’eterno. Nel momento in cui il fruscio del vento ridesta il poeta, scatta il confronto tra la propria piccolezza mortale e i secoli passati e futuri.

Questa intuizione anticipa le grandi correnti della filosofia moderna e dialoga strettamente con il pensiero di Blaise Pascal. Anche per Leopardi, come per il filosofo francese, l’uomo è una “canna pensante”: la creatura più fragile e minuscola della natura, che un soffio di vento può distruggere, ma immensamente superiore all’universo intero perché consapevole di sé stessa e capace, attraverso il pensiero, di concepire e misurare l’infinito che la sovrasta.

Il “dolce naufragare”: l’estasi dell’illusione

Il celeberrimo finale introduce il tema del piacere nel perdersi. In una società contemporanea ossessionata dal controllo, dall’efficienza e dalla performance a tutti i costi, l’elogio del “naufragio” interiore acquista una forza quasi rivoluzionaria.

Dal punto di vista filosofico, però, occorre evitare l’equivoco: il naufragio di Leopardi non è una fusione mistica con la natura, né un pacifico abbandono spirituale. Essendo un materialista convinto, Leopardi sa che l’infinito oggettivo non esiste e che la natura è indifferente al nostro destino. La “dolcezza” del perdersi è allora un’estasi interamente psicologica: è il piacere del pensiero che, esausto di scontrarsi con il dolore del “vero”, accetta di darsi pace, lasciandosi cullare e annegare nell’illusione vaga e indefinita creata dalla propria mente.

L’infinito è un capolavoro di ingegneria ritmica in cui la struttura formale è specchio perfetto del significato filosofico. Leopardi abbandona le forme metriche tradizionali del suo tempo per inventare un linguaggio incredibilmente moderno.

L’endecasillabo sciolto: la libertà dal “ritornello”

La lirica è composta da 15 endecasillabi sciolti (versi di undici sillabe non legati da uno schema fisso di rime). Sebbene l’endecasillabo sia il pilastro della poesia italiana fin dai tempi di Dante, Leopardi compie qui una scelta radicale: liberandolo dall’obbligo della rima, trasforma il verso in un tessuto fluido e continuo. Questa assenza di gabbie rimiche serve a mimare l’andamento naturale, intimo e quasi prosastico di un monologo interiore o di un pensiero filosofico in divenire.

La forza dirompente degli enjambement

Il testo si presenta visivamente come un unico blocco compatto, senza divisione in strofe. Il vero motore del ritmo è l’uso massiccio degli enjambement (ben 10 su 15 versi). Questa continua spezzatura dei legami sintattici a fine riga (interminati / spazi, sovrumani / silenzi, quello / infinito silenzio) produce due effetti straordinari:

• Visivo e concettuale: La frase straripa oltre il confine fisico del singolo verso, proprio come il pensiero del poeta straripa oltre il limite materiale della siepe.
• Ritmo infinito: Obbliga il lettore a non fare pause alla fine della riga, creando una tensione dinamica che accelera il ritmo della lettura verso il finale.

La punteggiatura come partitura emotiva

In assenza di rime, la struttura del testo è retta da una regia millimetrica della punteggiatura. I punti fermi posti a metà del verso (al v. 3 dopo esclude, al v. 8 dopo spaura, al v. 9 dopo piante) spezzano la fluidità metrica introducendo brusche pause. Questi silenzi tipografici rappresentano i momenti di stop in cui il poeta si ferma, riprende fiato di fronte alla vertigine del vuoto e sposta la sua attenzione dal mondo esterno a quello interiore.

Il codice segreto dei suoni (Fonetica)

A dare unità al testo è una fittissima rete di assonanze, consonanze e scelte vocaliche strategiche:

La melodia dell’eterno: Nella seconda parte, incentrata sul tempo e sul dissolvimento, il timbro si scurisce con l’insistenza sulle vocali O ed U, che evocano acusticamente il silenzio della morte e la profondità del mare finale (odo* stormir*, *sovvien l’eterno, morte stagioni, naufragar).

La melodia dello spazio: Nella prima parte, legata all’espansione spaziale, dominano le vocali larghe e luminose (A, E), che aprono il suono e danno il senso dell’ampiezza (interminati spazi, profondissima quiete).

Immerso nella solitudine del Monte Tabor a Recanati, il poeta si trova davanti a una siepe che gli sbarra la vista dell’orizzonte. Questo limite fisico, anziché bloccarlo, innesca la sua immaginazione: la mente inizia a modellare spazi sterminati, silenzi sovrumani e una quiete assoluta, fino a provare una sensazione di vertigine e smarrimento interiore. Risvegliato dal fruscio improvviso del vento tra le piante, Leopardi confronta questa “voce” presente e viva con il silenzio immenso dell’eternità e delle epoche passate. Di fronte a questa immensità, il pensiero accetta di perdersi: un “naufragio” dello spirito che non è distruzione, ma un’estasi dolcissima in cui si azzera temporaneamente la sofferenza della realtà.

Per fissare i concetti principali di questo capolavoro, ecco i quattro elementi chiave da ricordare:

La rivoluzione della forma: Dal punto di vista tecnico, Leopardi rompe con gli schemi del passato usando 15 endecasillabi sciolti e un massiccio uso di enjambement. Senza la gabbia delle rime fisse, la sintassi segue fedelmente il flusso continuo, intimo e libero del pensiero.

Il paradosso della siepe: La poesia dimostra che un ostacolo fisico (la siepe che nega lo sguardo) può trasformarsi nel più potente motore dell’immaginazione. Non potendo vedere la realtà, la mente è libera di costruire l’infinito.

La dialettica del tempo: Il testo mette a confronto la fragilità dell’uomo, schiacciato nel frammento del presente, con l’immensità dell’eterno e delle epoche passate. L’essere umano è una “canna pensante”: infinitamente piccolo nella materia, ma infinitamente grande nel pensiero.

Il vero significato del “naufragio”: Il celebre finale (“il naufragar m’è dolce”) non rappresenta una fusione mistica con la natura o l’accettazione rassegnata del proprio limite. È un’estasi tutta psicologica: la mente si concede una tregua dal dolore della realtà, lasciandosi cullare dalle illusioni vaghe e indefinite che lei stessa ha creato.

Giacomo Leopardi non usa mai immagini decorative: ogni elemento della natura descritto nell’idillio si carica di un profondo valore filosofico ed esistenziale.

L’ermo colle (Il distacco dal mondo)

Rappresenta il Monte Tabor a Recanati, ma simbolicamente è lo spazio dell’isolamento intenzionale. Per Leopardi, la solitudine della collina non è una condanna, ma una condizione di libertà interiore. È il luogo fisico e mentale in cui il poeta si spoglia delle convenzioni sociali, delle regole familiari e del rumore del paese per ritrovare la propria dimensione intima. Nella vita moderna, evoca perfettamente tutti quei “rifugi” in cui cerchiamo di staccare la spina per ritrovare noi stessi: una stanza silenziosa, una panchina isolata in un parco o un terrazzo di notte.

La siepe (L’ostacolo che libera)

È l’immagine centrale di tutta la lirica e incarna il concetto di limite. La siepe è una barriera concreta che sbarra la vista, ma che paradossalmente si trasforma in una soglia psicologica. Non è un muro invalicabile che schiaccia l’uomo (come sarà invece il muro di Montale), ma un ostacolo che stimola l’azione. Proprio perché l’orizzonte reale è nascosto, la mente è costretta a risvegliarsi e a inventare un orizzonte infinito attraverso l’immaginazione.

Il mare e il naufragio (L’estasi dell’illusione)

L’immagine finale del “mare” e del “naufragar” è di una potenza straordinaria. Il mare evoca la vastità, l’assenza di confini e la perdita totale di punti di riferimento. In questo contesto, il naufragio non ha una valenza tragica di distruzione o sconfitta. Rappresenta invece un’immersione psicologica totale: il pensiero del poeta, stanco di soffrire per le spigolosità della realtà concreta, accetta di farsi assorbire e cullare dall’immensità fluida delle illusioni che lui stesso ha generato.

Per approfondire i temi dell’idillio o creare un percorso tematico (ideale anche per tesine e percorsi scolastici), ecco i collegamenti più naturali, divisi per affinità:

All’interno delle opere di Leopardi

• La sera del dì di festa: Perfetta da leggere subito dopo. Se nell’Infinito lo stimolo è visivo (la siepe), qui è acustico (il canto solitario dell’artigiano nella notte). Il paesaggio notturno diventa l’occasione per una riflessione struggente sul tempo che cancella ogni traccia umana.
• A Silvia e Il sabato del villaggio: Due canti fondamentali per esplorare la “teoria del piacere”. Si collegano all’Infinito perché mostrano come per Leopardi il piacere non sia mai nel presente reale, ma nell’attesa del futuro (il sabato) o nel ricordo del passato (l’adolescenza di Silvia), cioè sempre e solo nell’illusione.
• Le ricordanze: Un viaggio nella memoria dove il ritorno ai luoghi dell’infanzia a Recanati si intreccia con la consapevolezza dolorosa della fine delle speranze giovanili.

Confronti con altri autori (Percorsi Tematici)

L’essenzialità: Giuseppe Ungaretti (Mattina) Con il celeberrimo “M’illumino d’immenso”, Ungaretti riduce al minimo la parola poetica per esprimere la stessa identica intuizione dell’infinito e della luce che travolge l’individuo, partendo da un momento della giornata concreto e fulmineo.

Il tema della sera: Ugo Foscolo (Alla sera) Un parallelismo classico. In entrambi i testi, un momento di transizione o un limite spaziale spinge la mente a meditare sull’infinito e sull’eterno. Ma mentre in Foscolo la sera evoca il nulla eterno e la quiete come fine delle passioni politiche e personali, in Leopardi l’infinito è uno spazio psicologico di pura immaginazione e temporaneo sollievo dal dolore.

La barriera: Eugenio Montale (Meriggiare pallido e assorto) Il confronto moderno più potente. Montale riprende l’idea del limite leopardiano ma ne ribalta completamente il significato. La siepe di Leopardi è un ostacolo che si supera con il pensiero; il muro di Montale, sormontato da “cocci aguzzi di bottiglia”, è la metafora di una condizione esistenziale imprigionata, un limite assoluto che non permette alcuna fuga verso l’infinito.

Perché la siepe è così importante in questa poesia?

La siepe ha un ruolo paradossale: è l’ostacolo materiale che sbarra la vista del paesaggio reale, ma è anche il motore che attiva l’immaginazione. Non potendo vedere l’orizzonte con gli occhi, il poeta è costretto a “costruire” e immaginare spazi senza confini con la mente. Senza il limite fisico della siepe, il pensiero non avrebbe avuto lo stimolo per andare oltre il visibile.

Che cosa significa l’espressione “sovrumani silenzi”?

I “sovrumani silenzi” indicano una quiete assoluta che va oltre qualsiasi esperienza biologica e umana. Non si tratta del silenzio della natura, ma del vuoto cosmico che il poeta modella nella sua mente. Questa immersione nel nulla assoluto è talmente immensa da provocare nel cuore del poeta un senso di smarrimento e di vertigine interiore (“ove per poco il cor non si spaura”).

Perché il naufragare viene definito “dolce” da Leopardi?

Il “naufragio” finale non rappresenta una tragedia o una sconfitta, ma un’estasi psicologica. Essendo la realtà quotidiana una fonte perenne di dolore e insoddisfazione, il potersi perdere completamente nell’illusione dell’infinito creata dalla propria mente permette al poeta di spegnere temporaneamente la coscienza vigile. La “dolcezza” nasce da questa tregua totale dalle sofferenze dell’esistenza.

L’infinito è una poesia romantica o classica?

L’opera si trova al centro di un affascinante incrocio culturale. Sebbene tratti temi tipicamente romantici (come la soggettività, il sentimento, l’evasione dalla realtà e il desiderio di assoluto), Leopardi la scrive posizionandosi sul fronte dei classicisti. Il testo rifiuta i sentimentalismi cupi dei romantici del Nord Europa e mantiene una nitidezza razionale e una perfezione geometrica che derivano dallo studio profondo dei classici greci e latini.

Qual è il rapporto tra il paesaggio reale e quello interiore?

Il paesaggio reale (il Monte Tabor, la siepe, il fruscio del vento) serve unicamente da innesco sensoriale. La poesia non vuole descrivere la natura marchigiana, ma il funzionamento della mente umana. Nel corso dei 15 versi, il paesaggio fisico svanisce quasi subito per trasformarsi in un paesaggio interiore: le coordinate dello spazio e del tempo diventano puramente mentali ed esistenziali.